COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE
I. ARQUITECTURA
A. ANÁLISIS FORMAL Y DESCRIPCIÓN DEL EDIFICIO
1. Identificación de la obra (fotografía exterior o interior, planta, alzado, sección, etc.)
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2. Materiales: Barro (ladrillo, adobe), piedra
(aparejo ciclópeo, sillar, sillarejo, sillares almohadillados, mampostería…), madera, cemento u hormigón (cal y arena que se endurecen con agua),
hierro, acero, etc. Causas de su
utilización (influencia del medio geográfico, criterios estéticos, técnicos,
etc.) y cualidades estéticas (pesadez, ligereza, belleza…). El muro se puede revestir con cal para
exteriores (encalado), yeso fino para alisar interiores (enlucido) o
cemento (enfoscado)
3. Planta (plano del edificio). Es el dibujo arquitectónico de un edificio representado en sección horizontal. Sirve para mostrar la distribución de las distintas partes del edificio, sus espacios, muros, soportes, etc. Los tipos más frecuentes son:
·
Planta basilical: tiene un desarrollo
longitudinal y está dividida en
una, tres o cinco naves.
·
La
planta de cruz latina: planta en forma de cruz en la que uno de los
brazos es más largo.
·
Planta central (o centralizada): la que puede
inscribirse en un círculo: poligonal, circular, de cruz griega (de brazos
iguales).
4. Alzado: Es el dibujo de la representación vertical y exterior de un edificio y muestra los pisos, la disposición de macizos, vanos y elementos decorativos. La fachada es la parte exterior principal de un edificio. La fachada puede tener calles verticales (como la tripartita con tres) y alturas (cuerpos horizontales). En la fachada de un templo clásico podemos encontrar un frontón triangular. En una fachada también podemos encontrar un pórtico (zona porticada o sujeta por columnas). La portada es la puerta de la fachada especialmente decorada. Otra representación es la sección, corte transversal o longitudinal, que muestra la disposición vertical de los distintos componentes en el interior de un edificio: plantas, naves, elementos sustentantes, arcos, cubiertas, etc.
5. Sistemas arquitectónicos:
§ Arquitectura adintelada o arquitrabada. Los empujes son en vertical y las cubiertas planas o inclinadas a dos o más aguas.
§ Arquitectura abovedada . Las cubiertas son curvas y los empujes son en diagonal.
6. Elementos sustentantes
§ Muro, en el
que se abren puertas y ventanas
(vanos). Dependiendo de los distintos lenguajes arquitectónicos se puede hablar
de “predominio del muro sobre el vano” o viceversa.
§ Pilar. Elemento sustentante de planta poligonal. Puede ser simple o compuesto: cruciforme (en forma de cruz), fasciculado (con baquetones o pequeñas columnas adosadas). Cuando
está adosado se denomina pilastra. El contrafuerte es un pilar que refuerza el muro al que
está adosado; a veces va unido al edificio mediante un arbotante y puede estar rematado con un pináculo.
§ 
Columna. Elemento sustentante de planta circular. Se llama adosada si está adherida a una pared o pilar, geminada si presenta doble fuste compartiendo el capitel, salomónica si su fuste presenta un desarrollo helicoidal, atlante si tiene forma de hombre, cariátide si tiene forma de mujer, parteluz si divide un vano en dos. Consta de tres partes: basa, fuste y capitel. Describir el orden al que pertenecen y si su función es estructural o decorativa.
7. Elementos sustentados:
- En la arquitectura adintelada pueden aparecer los siguientes elementos:
- Entablamento (apoyos en horizontal) como el dintel (cierre superior de un vano) su parte inferior se llama umbral.
- Arquitrabe: parte inferior del entablamento que descansa directamente sobre el ábaco del capitel.
- Friso: franja horizontal y decorada según los estilos, en el clásico se adorna con triglifos (tres bandas) y metopas (figuras).
- Cornisa. moldura ligeramente saliente, sostenida a veces por ménsulas, puede sujetar el tejado y la cubierta.
- Alero: parte del tejado que sobresale del edificio puede tener por debajo canecillos (modillones decorativos).
- Armadura (estructura triangular de madera) que crea un techo a dos aguas o vertientes y puede tener artesonado (techo interior de madera) decorado con casetones.
- En la arquitectura abovedada pueden aparecer los siguientes elementos;
Arco: elemento
de forma curva.
-
Partes de un arco: Dovelas
(piedras que lo componen), clave (dovela central), salmeres (últimas
dovelas) imposta (piedra más ancha en donde se apoya el arco), rosca
(zona circular que forman las dovelas), arquivoltas (roscas superpuestas
que van disminuyendo hacia el interior) abocinando el vano, alfiz
(moldura cuadrada que enmarca un arco), intradós (zona inferior de las
dovelas que forman la rosca) trasdós o extradós (zona superior) tímpano
espacio central entre la rosca y el dintel), luz (anchura de un arco).
Una arquería es una sucesión de arcos.
-
Tipos de arcos: de medio punto
(semicircular), peraltado (su rosca semicircular se amplía con
tramos rectos, U invertida), rebajado (se acorta la rosca), apuntado u ojival (dos segmentos de
circunferencia, que forman un ángulo en la clave), de herradura (el que
su curvatura ocupa más de media circunferencia), entrelazado (varios
arcos cruzados), mixtilíneo (con líneas curvas y
rectas), fajón (dispuesto
transversalmente al eje de la nave que sujeta la bóveda), formero (el
paralelo al eje longitudinal, divide las naves), toral (cada uno de los
cuatro arcos que sostienen la elevación sobre el crucero), lobulado (el formado
por lóbulos yuxtapuestos), geminado
(dos arcos unidos entre sí, con
forma simétrica y compartiendo el arranque central), de descarga (ciego
insertado en el muro sobre un dintel para aliviar peso), ciego (el
que tiene cerrada su luz).
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* Bóveda:
prolongación de un arco. Hay una gran variedad de bóvedas:
-
De cañón o de medio cañón: prolongación
de un arco de medio punto. Casi siempre va acompañada de otros dos elementos
constructivos, arcos fajones al interior y contrafuertes al exterior. El arco
fajón es el que refuerza la bóveda de cañón interiormente.
-
De arista:
es la formada por el cruce perpendicular de dos bóvedas de cañón
-
De crucería:
resulta de la intersección de dos bóvedas de cañón apuntadas, empleando dos arcos o
"nervios" diagonales con función estructural y unos paños o plementos que cubren los espacios
intermedios entre los arcos. Dependiendo del número de nervios se denomina sexpartita (se añade un tercer nervio y
originando seis plementos), de terceletes
(cuando más nervios parten del mismo punto), estrellada (cuando los nervios secundarios se multiplican dando
lugar a claves secundarias), de abanico
( los nervios parten de un mismo apoyo y se abren en forma de abanico).
-
De horno: cuarto de esfera, suele
emplearse en los ábsides.
* Cúpula (bóveda semiesférica): es una cubierta en forma de media naranja. Cubren un espacio cuadrado, cuyo apoyo según sea una planta circular o poligonal, se realiza respectivamente por medio de unas piezas denominadas pechinas (triángulos curvilíneos) o trompas (bovedillas semicónicas). Posee tres partes:
-
Tambor, anillo cilíndrico entre los
muros y la cúpula, con vanos que dan luz al interior.
-
Casquete o cúpula propiamente dicha.
-
Linterna, pequeño templete o torrecilla
donde también se abren ventanas.
8. Solidez: Dependiendo de las técnicas y elementos constructivos, los materiales, la planta, etc. que se utilicen en las construcciones, éstas darán una mayor sensación de solidez o ligereza.
9. Elementos decorativos: escasos o abundantes. Señalar dónde se localizan (capiteles, frisos, portadas, etc.), el material empleado (estuco, mámol, madera, etc.) y el tipo de tema empleado: figurado (esculturas, relieves), geométrico (frecuente en molduras de puertas y ventanas) o vegetal. Ejemplos:
§
Moldura (elemento sobresaliente
de manera corrida) como un filete o listel (rectangular) o un toro o bocel (semicircular)
§
Ataurique (decoración vegetal hecha con trépano sobre yeso), grutesco (decoración con seres
fantásticos) mocárabe (prismas yuxtapuestos colgantes en cúpulas o
intradós), celosía (enrejado
de madera) lacería (decoración con líneas entrecruzadas que hacen formas
geométricas) letras cúficas (decoración con letras árabes), alicatado
(decoración con azulejos), vidrieras.
§ Baldaquino (cubierta decorativa o dosel que cubre un altar, trono, tumba, etc.), balaustrada (barandilla con pequeñas columnas), hornacina (hueco para poner una estatua o un jarrón), doselete (pequeño dosel sobre escultura).
10. Valores plásticos
·
La
proporción, armonía: correcciones ópticas, módulos…
·
La
simetría: existencia o no.
·
Volúmenes
exteriores: su plasticidad, relación con el interior y con el
entorno.
· Espacio interno: ejes de composición general, uso de la luz y el
color en la creación de un determinado ambiente, escala respecto al hombre…
11. Función
· Religiosa:
templo, mezquita, sinagoga, baptisterio...
·
. Funeraria: tumba, panteón, pirámide, mausoleo..
. Funeraria: tumba, panteón, pirámide, mausoleo..
· Civil : obras públicas de ingeniería
(puente, acueducto, etc.), edificios
para ocio y espectáculos (teatro, circo, etc.), viviendas o palacios,
monumentos conmemorativos (arco
de triunfo, columna, etc.), comerciales (lonjas, mercados…), etc.
· . Militar: muralla, castillo, albarrana (torre de vigilancia fuera del recinto amurallado y unido a él por puentes), alcazaba (fortaleza o castillo que se encontraba en la zona más alta de una ciudad), etc
Otros aspectos: conservación, trasformaciones…
B. COMENTARIO
1. Características generales del estilo al que pertenece la obra que se analiza.
2. Título de la obra y localización espacio-temporal.
3. Identificación del autor (si no se trata de una obra anónima) y lugar que ocupa la obra en la evolución del artista.
4. Circunstancias concretas de su realización y relación con el contexto sociocultural en que aparece.
§ Referencia
a la clientela: personas o grupos
que encargan y pagan la obra, y de qué manera sus exigencias influyen sobre el
artista.
§ Situación social del artista.
§ Función de la
obra y significación en su
contexto.
5. Posibles antecedentes.
6. Trascendencia en la Historia del Arte.
Ejercicio: Realiza el análisis formal de las siguientes obras arquitectónicas
II. ESCULTURA
A. ANÁLISIS FORMAL Y DESCRIPCIÓN
1. Tipo de escultura
· Bulto
redondo o exenta (la podemos rodear y se puede observar desde todos
los ángulos). Puede tratarse de una figura o de un grupo escultórico.
o Cuerpo entero, busto, torso…
o Actitud: erguida, sedente, orante, yacente, ecuestre…
o Número de figuras: obra individual o grupo escultórico.
· Relieve. Tipo de
escultura en el que las figuras resaltan sobre un plano (se adosan a muros,
escaleras, muebles...). Según el grosor de la talla se puede distinguir entre:
o Bajorrelieve, la
escultura sobresale menos de la mitad de su volumen.
o Mediorrelieve,
sobresale la mitad de su relieve.
o Altorrelieve,
sobresale más de la mitad de su volumen.
o Cuando el
bulto no sobresale, sino que, por el contrario, se rehunde en el plano, se
habla de huecorrelieve
· Visión del espectador. Un único punto de vista o varios (se debe ver de frente o se puede
girar alrededor)
2. Localización : Dependiente de la arquitectura (friso, frontón, capitel…) o independiente de la arquitectura (plazas, jardines…)
3. Tema e iconografía: El tema es el asunto que se representa. Existen dos grandes grupos de temas: religiosos y civiles o profanos. Existen además otros tipos de representaciones: temas vegetales, geométricos y epigráficos. La Iconografía es el estudio del origen, formación y desarrollo de los temas figurados.
4. Material y técnica:
· Material: Puede ser muy variado: madera, piedra, metal, barro, marfil, sintético...
· Técnica:
o El modelado. Se utiliza cuando se
trabaja con materiales blandos (barro, cera, plastilina...) y se esculpe
añadiendo poco a poco materia.
o La talla. Es una
técnica contraria a la anterior porque supone la eliminación de material hasta
ir configurando el volumen y la forma de la figura. Es un proceso que utiliza
materiales duros (piedra, mármol, madera, marfil).
o La
fundición. Se utiliza cuando se inyecta en un molde material líquido
fundido al fuego o licuado con agua, caso del bronce, hierro, cemento, plástico, etc.
· Acabado: Textura lisa, más pulidas o ásperas, rugosas y con aristas. Sensación de dureza o blandura/ternura/sensualidad.
· Color: Existencia o no de policromía; color naturalista o simbólico; técnica de aplicación del color (encarnado, estofado…).
5. Composición: Organización de los elementos que la componen.
· Forma de la composición: vertical
(elevación), horizontal (reposo), triangular (equilibrio), diagonal
(desequilibrio), circular (suspensión, movimiento envolvente).
·
Puntos de apoyo.
·
Proporción.
·
Perspectiva y profundidad:
escalonamiento en varios planos.
·
Ley del marco. Se ocupa todo el
espacio arquitectónico disponible.
· Volumen (espacio
ocupado): Hay esculturas que dan sensación de pesadez. Otras, al contrario,
muestran vacíos internos y son livianas, ingrávidas, ligeras (Gargallo).
·
Luz: Puede
generar grandes contrastes, claroscuro, entre las diferentes partes de la obra
o bien incidir de forma homogénea y suave. Contribuye a crear volumen y
movimiento.
6. Movimiento o reposo (predominio de líneas verticales). Formas de lograr el movimiento:
·
Real: móviles (arte
cinético).
·
Sugerido mediante:
- El ritmo: Por multiplicación de líneas. Por ritmos ondulantes y diagonales (pliegues, ropajes) y predominio de las curvas.
- Por las posiciones inestables.
- La tensión: indicando un movimiento en potencia (contrapposto).
- La acción:
movimiento en el acto por la propia acción que se realiza.
7. Fidelidad al objeto representado
- Abstracta. (no representa formas reconocibles).
- Figurativa (representa formas reconocibles). Puede ser más o menos naturalista (reflejo del original):
- Poco naturalista: simbólica, rasgos esquemáticas (formas simplificadas).
- Algo naturalista:
- Hierática: se busca la solemnidad, rasgos rígidos.
- Estilizada: se alargan las figuras, se busca la delicadeza.
- Idealista: se busca la perfección. Puede seguir un canon. (Policleto 7 cabezas, Praxíteles 8 cabezas).
- Muy naturalista: realista (respeta las características del original incluido los defectos)
8. Sentimiento y expresión: Serenidad o dramatismo, felicidad o tristeza.
B. COMENTARIO
1. Características generales del estilo al que pertenece la obra que se analiza.
2. Título de la obra y localización espacio-temporal.
3. Identificación del autor (si no se trata de una obra anónima) y lugar que ocupa la obra en la evolución del artista.
4. Circunstancias concretas de su realización y relación con el contexto sociocultural en que aparece.
§ Referencia
a la clientela: personas o grupos
que encargan y pagan la obra, y de qué manera sus exigencias influyen sobre el
artista.
§ Situación social del artista.
§ Función de la
obra y significación en su
contexto.
5. Posibles antecedentes.
6. Trascendencia en la Historia del Arte.
Ejercicio: Analiza las siguientes obras escultóricas:
II. PINTURA
A. ANÁLISIS FORMAL Y DESCRIPCIÓN
1. Tema: religioso, mitológico, histórico, retrato, paisaje, naturaleza muerta…
2. Técnica y soporte:
· Técnica:
o La pintura
al fresco. Consiste en aplicar los colores, diluidos con agua, sobre
un muro enlucido (preparación de cal y arena), cuando todavía no se ha
secado, de modo que lo pintado penetra en la pared. No admite rectificaciones y
no se destruye cuando la pared sufre algún deterioro.
o El Temple. Pintura
sobre tabla muy utilizada por los pintores medievales. Utiliza como
aglutinante del color yema de huevo y colas o gomas de diversa naturaleza
(vegetales, animales o sintéticas). Se presta poco a la representación de
matices de expresiones y atmósferas.
o La pintura
al óleo (diluida en aceite y trementina) se empezó a propagar a
partir del siglo XV. Es muy adecuada para hacer “veladuras” (capas con tonos
semitransparentes) y para obtener sutiles efectos cromáticos; desde el siglo
XVI es óleo se aplicó sobre el lienzo, que es ligero, flexible, barato y
permite también hacer obras de gran tamaño. El apogeo de la pintura en las
edades moderna y contemporánea debe mucho
a esta técnica y este soporte.
o La acuarela (colores
diluidos en agua) se aplica sobre papel, y es por ello un procedimiento muy adecuado
para bocetos -dibujo previo a la
ejecución de la obra- y pequeños
formatos.
o Dibujo,
desde el carboncillo
(trazado con un carbón vegetal) o la tinta china hasta el lápiz.
o Hay
también sistemas de impresión, como el grabado, que tienen la enorme ventaja
de su poder de difusión. Dependiendo de
los métodos de impresión se puede hablar de xilografía, litografía, etc.
· Soporte: tabla, lienzo, muro, pergamino,
etc.
· Factura: estudio de la forma en la que la
pintura ha sido aplicada sobre el soporte, las pinceladas, la textura
(cualidades táctiles: lisa, rugosa, mate, brillo...) los brillos o
transparencias, y de la forma en que todos estos aspectos influyen en el final
de la obra.
3. Línea y color
La historia de la pintura está condicionada por una tensión entre el contorno de las cosas representadas y su color.
· El trazo o
la línea pueden ser más o menos
gruesos y en unos casos prevalecerá sobre el color y en otros será el color el
auténtico protagonista. Puede ser
nítido, perfilando claramente las figuras, separando unos colores de otros o
con imprecisión, mediante líneas difuminadas.
· El color es la esencia misma de la
pintura. Existe una primera clasificación entre:
o Colores
primarios: son los que no pueden reducirse a otros porque no son
producto de ninguna mezcla. Son el amarillo, el rojo y el azul.
o Colores
secundarios o binarios. Surgen
cuando los primarios se mezclan entre sí: anaranjado (amarillo y rojo), violeta
(azul y rojo) verde (amarillo y azul)
·
Estos seis colores pueden a su vez subdividirse en cálidos (amarillo, anaranjado y rojo) y
fríos (violeta, azul y verde) .
Todos
estos colores mencionados se combinan según el gusto de los artistas creándose
una multiplicidad de tonalidades diferentes. Hay que analizar los colores
empleados por el artista:
-
Predominio de gamas cálidas o frías
-
Distribución de los colores en el cuadro
-
Combinación y contrastes dignos de mencionar
-
Influencia del color en el resultado final de la obra.
4. Volumen: La pintura es siempre bidimensional, pero, a través de una serie de técnicas, el pintor (cuando evidentemente busca efectos realistas) nos presenta una obra tridimensional, con volumen, como si se tratase de una escultura.
4. Volumen: La pintura es siempre bidimensional, pero, a través de una serie de técnicas, el pintor (cuando evidentemente busca efectos realistas) nos presenta una obra tridimensional, con volumen, como si se tratase de una escultura.
5. Perspectiva: Mediante ella se simula la profundidad (la tercera dimensión) La perspectiva crea profundidad en el conjunto de la obra y no sólo en un objeto (volumen). Es como abrir una ventana a la realidad.
§
Sin
perspectiva: pintura plana.
§ Perspectiva lineal. La profundidad se crea
trazando un haz de líneas que configuran una pirámide cuyo vértice es el punto
de fuga de las mismas. Se crea la ilusión óptica de la profundidad. Al geometrismo resultante
se añaden y se adaptan las figuras. Es renacentista; es una formulación
matemática, fruto de las investigaciones técnicas que caracterizaron la labor
de los artistas del momento.
§
Perspectiva aérea: aquélla que teniendo en
cuenta la perspectiva lineal considera prioritario lo aéreo, la atmósfera
existente entre las imágenes pintadas. Por ello:
o
se difuminan los contornos, los perfiles de los
objetos (sfumato)
o
se pierde nitidez en la visión con la distancia.
o
los colores palidecen con la profundidad, con fondos
fríos - especialmente azules-
- Ruptura de la perspectiva en el arte contemporáneo.
Es importante comentar:
§ Si el
espacio que se representa es plano o si hay simulación de la profundidad.
§ En el caso
de que sea del segundo tipo:
o
Descripción de la forma en que se ha representado la
profundidad
o
Si aparecen fondos arquitectónicos, análisis de los
mismos en cuanto a su papel en la simulación de la profundidad.
o
Definición de los planos que aparecen en el cuadro.
6. Luz: No es la luz natural, como ocurre en la escultura, sino una luz representada, ilusoria. Por ello, el autor puede utilizarla como elemento de expresión, a su manera. Hay que tener en cuenta:
§ La
distribución de la luz en el cuadro, si es uniforme o si incide más
sobre unas partes que sobre otras. La luz diáfana y homogénea transmite
sensación de equilibrio y armonía. Por el contrario, la luz contrastada posee
un carácter más expresivo y dinámico.
§ Calidad de la luz,
natural (identificación de la hora del día a que corresponda) o artificial
(localización del foco del que procede)
§ Origen y
dirección de la luz. (atención a las sombras y a las zonas
iluminadas)
§ Funciones
de la luz en el cuadro:
§ Contribución
al volumen de las figuras mediante la degradación de luces y
sombras.
§ Creación
de profundidad.
7. Composición: Determina la ordenación de todos los elementos representados en el cuadro. Las posibilidades compositivas son casi infinitas porque además influyen en ella aspectos como: la perspectiva, la luz, el color, la línea...
Como en la
escultura predominan dos tendencias generales, pudiéndose hablar de:
· Composiciones cerradas: todos
sus elementos plásticos convergen hacia el centro del cuadro. Generan una
sensación estabilidad y equilibrio.
·
Composiciones abiertas: divergen
hacia los extremos del cuadro, dinamizando la obra.
A éstas se
añaden composiciones :
·
Piramidales: transmiten sensación de armonía
y equilibrio (Clasicismo)
·
Oblicuas: aportan sensación de movimiento
(Manierismo y Barroco)
·
Simétricas, asimétricas, en doble
aspa, en zig -zag y diversas combinaciones de las anteriores.
8. Movimiento
§ Predominio
en el cuadro del movimiento o reposo.
§ Explicación
de la forma en que se consigue cada uno de ellos y su finalidad expresiva.
9. Formas de expresión
- Abstracta. (no representa formas reconocibles).
- Figurativa (representa formas reconocibles).
B. COMENTARIO
1. Características generales del estilo al que pertenece la obra que se analiza.
2. Título de la obra y localización espacio-temporal.
3. Identificación del autor (si no se trata de una obra anónima) y lugar que ocupa la obra en la evolución del artista.
4. Circunstancias concretas de su realización y relación con el contexto sociocultural en que aparece.
§ Referencia
a la clientela: personas o grupos
que encargan y pagan la obra, y de qué manera sus exigencias influyen sobre el
artista.
§ Situación social del artista.
§ Función de la
obra y significación en su
contexto.
5. Posibles antecedentes.
6. Trascendencia en la Historia del Arte.
Ejercicio: Analiza una de las siguientes obras pictóricas:
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